Michele Guido, classe 1976, è artista italiano la cui ricerca indaga e schematizza elementi naturale e artificiali codificando il rapporto fra architettura, storia e immagini della natura. Di seguito l'intervista con Michele in relazione ai suoi ultimi lavori, da ceiba garden project al cosmos seeds garden project.
Chi è Michele Guido e qual è il percorso che ti ha portato a diventare artista?
Mi piacerebbe essere un contadino a “bordo dell’arte” come quelli che già dal ‘300 erano liberi di coltivare il loro orto perché avevano conquistato “il diritto di poter pagare un fitto in denaro e non più in conferimenti di prodotti agricoli”. Quando sarà pubblicata questa intervista saremo mentalmente proiettati in un “dopo” che dovremo costruire. Ora mi sento in una specie di tempo zero. Tutto quello che dirò in questa intervista riguarderà quel “prima” che già da qualche anno stava mutando in un “dopo”.
Sono stato a Milano la prima volta per una gita scolastica, la seconda per iscrivermi a Brera. Non c’era mai stata una vera e propria intenzione di fare l’artista. Ho vissuto fino a vent’anni ad Aradeo, un piccolo paesino in provincia di Lecce. Trascorrevo il tempo sia in campagna, osservando come dai semi si generavano le piante, sia nella camera oscura di mia zia dove, per magia, dai fogli di carta fotosensibile, si creavano immagini. Non c’era instagram! Fu una collezionista di Gallipoli che mi aveva commissionato un intervento per il suo studio, a suggerirmi Brera come luogo in cui approfondire gli studi che avevo fatto all’Istituto d’Arte. Era il 1997. Sin dal primo anno scoprii l’arte contemporanea grazie ai corsi di Laura Cherubini e Giacinto Di Pietrantonio; poi, nell’estate del ’99, il mio modo di vedere il mondo che mi circondava cambiò. Mentre frequentavo il centro T.A.M. nelle Marche, ebbi la fortuna di conoscere Eliseo Mattiacci, il nostro visiting professor, Hidetoshi Nagasawa, che era stato invitato per una conferenza, i suoi allievi e quelli di Luciano Fabro. Quando a settembre, tornai a Milano ero un’altra persona: iniziai a frequentare le lezioni di Fabro nell’aula 4, anche se non ero iscritto al corso, e decisi di fare la tesi con Jole de Sanna sul “concetto di Ma” in Nagasawa. Parallelamente, Cherubini e Di Pietrantonio, per tutto l’anno programmarono un ciclo di conferenze invitando molti artisti che venivano da diverse parti del mondo. C’era una bella atmosfera in quel periodo. Devo molto a Brera. Nel 2001 organizzammo con Jole De Sanna una conferenza sul “concetto di MA” nello studio di Nagasawa presso la Casa degli Artisti. Da allora mi fu affidato quello spazio fino alla chiusura arrivata nel 2007. Il 1° febbraio di quest’anno la Casa è stata finalmente riaperta e ho ricevuto l’invito da parte di Mattia Bosco per trascorrere un periodo di residenza negli spazi completamente ristrutturati, come comparivano quando il palazzo era stato costruito. Se dovessimo definire uno spazio di tempo nel quale ha avuto origine tutto, è sicuramente quello che va dal ’99 al 2001. In quei tre anni di formazione si sono create le basi per una ricerca che porto avanti ancora oggi, anche se in modo sempre più stratificato e multidisciplinare.
Con la mostra presso la Fondazione Pomodoro del 2008 e le mostre personali presso la galleria di Sara Zanin nel 2009, ’13 e ‘15 ho potuto realizzare i primi garden project e verificare il lavoro nello spazio con progetti sempre più complessi rispetto a quelli che potevo installare nello studio. Poi, nel 2011, è iniziata la collaborazione con Lia Rumma: ambiente diverso da quello di una giovane galleria, sicuramente una palestra per me, soprattutto per il dialogo costante con una persona che sa “guardare” e sa leggere lo spazio come pochi sanno fare. Ho sempre sostenuto entrambe le realtà, sono fondamentali per un artista, perché quello che può nascere da una parte può essere sviluppato nell’altra.
La tua ricerca unisce architettura e natura, mi racconti cosa la caratterizza e qual è il tuo approccio?
Il rapporto che c’è tra architettura e natura nel mio lavoro va letto considerando alcuni aspetti e tenendo conto dei diversi campi d’azione. Prima di tutto il “Concetto di MA”: rappresentato dall’ideogramma 間 kaji che è la combinazione grafica di 門 kado (porta, spazio, intervallo) e 日 hi (sole). A Jole de Sanna che chiedeva “è qualcosa che si sottrae all’unità dello spazio?”, Nagasawa rispondeva: “sì, però ogni stanza può essere considerata un MA, infatti noi andiamo in montagna per raccogliere i tronchi per costruire la casa dividiamo il tronco in quattro e ciò corrisponde ai punti cardinali. Ogni parte deve mantenere la stessa posizione quando si costruisce la casa e c’è un quarto di tronco aggettante per ogni punto. Lo spazio che si forma è un MA”. (dalla conferenza del 2001 alla Casa degli Artisti). La sezione delle piante, molto frequente nella mia pratica artistica, viene proprio da questo concetto e mi consente di ricavare il modulo, che appartiene al mondo vegetale e non a quello animale: noi essendo individui siamo indivisibili. Dividere significa moltiplicare. Dal modulo vegetale si scoprono le forme geometriche elementari che uso per mettere in luce il disegno di un giardino che esiste già nella pianta, ma che noi non vediamo. C’è un concetto molto interessante di G. W. Von Leibniz in cui si dice che:
“la geometria non è la scienza della figura, ma la scienza dello spazio. Fare geometria significa studiare lo spazio. Lo spazio è come una struttura, un ordine di situazioni, dove per situazioni s’intende una relazione tra oggetti. Un punto non è altro che un oggetto, e la relazione tra un punto ed un altro, non è altro che la distanza tra punti”.
Quando pensiamo a qualcosa che ancora non conosciamo, non sappiamo darle un perimetro o una forma finita; riuscire a misurare le cose e disegnarle, significa definirle in termini di dimensione e di conoscenza. Conoscerle e sviluppare una relazione tra di loro significa innescare un processo di biodiversità che l’architettura dovrebbe creare. Torna così la figura del “contadino” intesa come colui che misura la terra: “il geometra agrimensore”. Emanuele Coccia ci ha insegnato che ogni pianta con le sue foglie dilata la propria superficie piana per aumentare sempre più il processo della fotosintesi. Come le foglie con la loro superficie conquistano lo spazio aereo, così le aiuole del giardino, la cui forma è data dalla geometria vegetale, modificano la superficie terrestre. Invece quando penso al processo della fotosintesi, mi vengono in mente le opere di artisti come Medardo Rosso, Mark Rothko o Francesco Lo Savio perché sono plasmate dalla luce, sono “spazio e luce” nello stesso tempo. In tutto il ciclo di lavori legati all’arte rinascimentale, ogni opera del passato viene analizzata e trattata come se fosse una delle piante che utilizzo per i miei lavori. Cerco di portare alla luce la costruzione geometrica che ognuna di quelle opere nasconde sotto la propria pellicola pittorica e i rilievi delle specie botaniche per sviluppare nuovi studi come accaduto per pulsar___2017, presentato per Meteorite in Giardino 10 alla Fondazione Merz, e study for venus and mars garden project realizzati con il contributo scientifico della ricercatrice INAF Mariateresa Crosta, di Altec e l’Osservatorio Astronomico di Torino.
